行业人人都在骂攻壳起码你应该骂点不一样的

4月份的第一部引进电影《攻壳机动队》已经上映了，然而根据现有的评不难发现，这部电影并没有达到最初的预期，表现真的不是很好，即便是有斯嘉丽·约翰逊的颜值撑着，也难以撑起全部。在一片差评之中总得有点不一样的声音，下面一起来看看吧!

愚人节的正中午，和朋友们在伯克利的影院看了《攻壳机动队》。我半梦半醒的把影片看完，却好像也没错过什么。等晚上回来，聚精会神地重温了押井守版的《攻壳机动队》，却因为不解素子(片中女主角)的絮语，而为自己的智商感到汗颜。

纽约时报的评论很好的解释了我的观影体验。真人版丢失了原作对人类命运的思考，而保留了追车戏和枪战戏，以及类型片的陈规，最终变成了观赏性强的动作片。

国内的一些文章也质疑或批评真人版电影，认为它拍出了形，却丢失了原作的神。但是我们都忽略了影片改编的工业语境，如果好莱坞压根没想复现那些哲学的喃喃自语呢，它只是想套用一些概念来做一个动作类型片呢。

当我们回想起，索德伯格怎样把塔氏的《索拉里斯》变成乔治·克鲁尼的寻爱故事后，就知道沪铝好莱坞一直在玩这种把戏。

我们当然可以指责，改编是好莱坞的原罪。但更重要的是理解好莱坞改编背后的逻辑是什么?以及它的叙事准则如何改造《攻壳》?

商业逻辑

好莱坞改编的商业逻辑，最直接的暴露于IMDB的宣传页面上。真人版宣传的卖点不是原版《攻壳》，而是斯嘉丽·约翰逊的明星形象以及各种奇异的半机械人。

电影中斯嘉丽戴着黑色的假发，以冒充亚洲人。但宣传图上却选用了她金发的剧照，因为图片背后的所指是斯嘉丽这个亟待消费的金发尤物。

斯嘉丽的金发和身体的卖点，足以媲美一个引人注目的故事。如果把她的金发换成黑发，她的明星形象会消减很多，她就不再是21世纪的玛丽莲·梦露，以及世界上最性感的女人。

事实上，如果真人版对原版的精神内核和文化有起码的尊重，素子也不会由斯嘉丽来饰演(斯嘉丽·约翰逊在片中始终被称作“major”(少佐)因为她根本就不是素子)。

原版《攻壳》本身是一个纯粹的日本故事。

它的漫画作者士郎正宗曾在推特上表示，《攻壳》所思考的主题，是日本的而非世界的。1990年代日本在科技上处于世界领先水平，但却在军事上受制约，甚至无法保护自己。

日本民族的这种不安感在漫画里得到了反思，并集中体现在素子身上。

她有着强大的机器身体，却困扰于自身的认同感，当她不断升级身体甚至和整个络融于一体后，她的身份何在?这和依赖于科技，却没有安全感的日本国民体验相似，可以说素子的困惑映照了当时日本国民的心理。

漫画版《攻壳机动队》

但当动画版的《攻壳》在世界范围内引起轰动时，少有人会关注影片对日本的反思。

片中所探讨的哲学话题，比如赛博朋克世界的危机，主体(哲学的概念)的困惑，人类进化的谜团，机器与人的关系，才是该片掀起迷影文化的根源。我把这些元素统称为赛博朋克文化(尽管不准确，但可以暂时概述这些元素的共同点)。

赛博朋克本身是科幻小说的一个分支。

上世纪80年代，威廉·吉布森等美国科幻作家创作了一系列赛博朋克小说。他们的创作受到了后现代主义思潮的影响，同时80年代高速发展的科学技术，与全球化下底层人民困苦生活的反差，也给予了他们灵感。

赛博朋克的故事即是高科技(cyber)和低俗生活(punk)的结合。这些小说往往以未来的科技世界为背景，那时政府高度集权，社会腐朽，贫富差距拉大。而叙事关注底层和边缘的人物，比如黑客或流浪汉等，这些人物“热爱自由”，利用控制他们的技术进行还击。赛博朋克小说表现出对未来科技成果的担忧，并充满着反极权和反乌托邦的色彩。

在90年代，赛博朋克从一个科幻亚文类延伸至整个大众文化领域：日本的一系列赛博朋克动漫风行世界;最成功的赛博朋克商业电影《黑客帝国》被制作出来;齐泽克、鲍德里亚等哲学家也对通俗文化中的赛博朋克进行深入解读。

而当人人热衷于赛博朋克时，好莱坞把握了这个商机。

《银翼杀手》、《阿基拉》和《攻壳》等赛博朋克电影，引发全球粉丝痴狂，好莱坞便开始大肆购买、复制该题材和主题。电影学者霍鹏斯坦提出的好莱坞“电影循环叙述”的制作模式，则精准的揭示了这一现象。

《银翼杀手》剧照

好莱坞制作者们很少向前走，如果某种故事元素或类型被证明很流行，他们就会向观众重新包装和出售这类产品。这种包装和复制，并非本雅明所谈的复制艺术品，因为好莱坞制造的是艺术上的低仿品。

新版的《攻壳》就是原版的低仿品。

真人版只沿用了赛博朋克这个商业卖点，而原版中的价值观和严肃思考被疯狂地消解，取而代之的，是好莱坞的保守主义价值观。一个显著的例子是两版不同的结尾。

原版中素子在结尾依然困惑于自己的身份，她选择进入络世界，继续保持对自身存在的探索，也让我们得以反思她的命运。但在真人版中，当少佐和九课(公安局)合力击败反派后，她告诉九课的领导自己会效忠于他。少佐这个半机械人，在这里将自己认同“不管他是不是我的亲孙子为了人类的奴隶，要为人类而战。

当《机械姬》这类好莱坞影片，都开始反思工具理性的膨胀给人类带来危机时，真人版的《攻壳》却坚定的走向了批判的背面，愚蠢而乐观地让机器屈服于人类理性。

这样的设定，不仅消解了原版的反抗精神，也让影片所借鉴的赛博朋克元素成为了笑柄。因为赛博朋克本身就带着反乌托邦色彩，反思科技对人类的控制。

随着商业逻辑和好莱坞价值观的介入，真人版的《攻壳》与95年的原版，除了被“循环模式”所利用的名字和略微相似的角色外，没有任何相关性了。

叙事模式

真人版《攻壳》严格遵循着好莱坞的叙事陈规。参照波德维尔和克里斯汀的说法，好莱坞叙事准则中，首要的即是设定目标。

在真人版中，少佐(斯嘉丽饰演的半机械人)一开始就将追逐傀儡师设为目标，当她发现目标错误后，转而同傀儡师一起对付新的敌人。

影片的所有叙事逻辑都围绕此展开，这也就可以解释，为什么片中少佐抚摸人类的场景让人感到无趣。因为它脱离了影片的叙事逻辑，这个表现少佐对身份困惑的场景，处于叙境之外，甚至阻碍了叙事的连贯性。这个场景之所以还存在，无非是贩卖情怀的伎俩罢了。

而动画版则与之不同，它沿袭的是艺术电影的传统。

艺术电影对“人物”的关切取代了好莱坞对“情节”的专注。

押井守把素子塑造成了一个，类似于伯格曼和塔尔可夫斯基电影中的主人公，她被赋予了表达和解释自身精神状态的权利。她的行为方式(比如潜水，出现幻觉)，以及和巴特的对话，或自己的独白，所有的一切都和揭示自己的心理状态以及传达意义相关，而和叙事无紧密联系，她也没有目标要去执行。

有时候，影片的空镜头段落也用来描摹素子的心理。

当素子在船上，对自我怀疑到达顶峰时，配合着川井宪次的音乐《傀儡谣》，大影像师(影片的制作者)接着呈现了一系列城市内的空镜头，这些镜头是素子思考的外化。打着相同颜色伞的儿童们，作为一种视觉隐喻暗示了素子对独一性的困惑。

这个段落也说明了，原版影片并不在乎叙事的停滞，以及段落间因果关系的缺失，而是专注于传达观念。

通过检验音乐的使用，我们能准确看到两种叙事方式的根本差异。

在押井守的动画版里，《傀儡谣》作为一个音乐母题两次出现，一次是影片开场，演示半机械人如何被制造;另外则是素子自我怀疑的段落。每次哀歌般的音乐出现，叙事都出现了停滞，音乐和影像的配合，突显着悲观主义的色彩，并触及着一种形而上的思考。

在真人版里，导演桑德斯却把这首歌曲放在了片尾字幕。我相信他很爱这首歌，但是为了保持叙事的连贯性，以及遵循好莱坞的缝合(seamlessness)体系，他没有机会去适用这首歌曲。

新版的《攻壳》是一个好莱坞快餐，他抽去了动画原版中阻碍叙事推进的部分，消解了思考性的东西，经过好莱坞流水线的加工，重新上市。

后记

再给我一次机会，我还是会去看新版《攻壳》，就像买哈利波特的魔杖不是为了施魔法，而是购买情怀。

一年前，我偶然采访到了百子湾电影资料馆的一位主管，他激动地回忆起资料馆举办超世纪福音战士(EVA)放映时的场面。

全国影迷从各地连夜赶来，有些影迷为了排队，前一晚甚至睡在资料馆门口。听到他的讲述，我也不禁热泪盈眶。而好莱坞就是在用我们的眼泪，制作他们的珍珠。

制片人们深知流行影片背后的文化力量。

看看豆瓣上有多少人解析《攻壳》的哲学奥秘，并争得面红耳赤，也就知道有多少人期待它。

好莱坞不会失败，它把原版影片复制的好，影迷去膜拜;它复制的坏，影迷还是要亲自去验证。我们都无力阻挡对赛博朋克电影的爱。

至少是我，每个漫漫长夜,都还在期待吃下墨菲斯给的红色糖果，离开母体，前往真实的彼岸，当然还有美丽的崔妮蒂伴我左右。

威海较权威的白癜风医院
脑梗塞三分之一
生活医药资讯